Voy a presentar un lugar en Madrid que está bastante cerca del centro (si entendemos por «centro» Plaza de España-Palacio Real-Rastro-Museo del Prado-Cibeles-Puerta del Sol, más o menos). Es la ermita de San Antonio de la Florida, a diez minutos andando desde la estación de Príncipe Pío.
La cúpula de la ermita está decorada con unos frescos de Francisco de Goya, en los que las figuras te van a sorprender por su carácter expresionista. Es una obra maestra que no puedes dejar de ver: eso sí, prepárate para salir de allí con un buen dolor de cuello. Las visitas guiadas están muy bien preparadas y merece la pena escuchar una de ellas.
Pero eso no es todo. Debes ir a San Antonio de la Florida por Goya, pero te esperan otras cosas:
– justo al lado de la ermita podrás comer en el popular «Casa Mingo» unas tortillas y unos choricitos con un buen vaso de sidra.
– Enfrente verás la Casa de Campo, y podrás hacer una ruta a pie o en bici por el que es el mayor parque de Madrid (unas 5 veces más grande que el Central Park de Nueva York).
– Si lo prefieres, puedes elegir para disfrutar del aire libre otro parque, el Madrid Río, que pasa por delante de la ermita y tiene unos 6 kilómetros de longitud siguiendo la orilla del río Manzanares.
Por todas estas razones, creo que mi recomendación de un lugar especial en Madrid es imbatible 😀 El apartado de comentarios está esperando vuestras recomendaciones alrededor del mundo…
España tiene una historia fascinante de la pintura: posiblemente los dos artistas más influyentes del movimiento de la vanguardia fueron españoles. Pablo Picasso, en el cubismo, y Salvador Dalí en el surrealismo, cambiaron para siempre la trayectoria del arte moderno.
Pablo Picasso
Fue un pintor del siglo XX, quizás el más famoso de todo el mundo y de España también. Fue pintor, escultor, trabajó con los dibujos, grabados, ilustraciones y vestuarios para montajes teatrales.
Nació en Málaga el 25 de octubre del año 1881. Empezó a pintar cuando era muy joven, y cuando tenía 13 años, su padre dijo que Picasso lo había superado en la pintura.
Fue aceptado a los 14 años de edad en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Cuando tenía 16 años, fue aceptado en la Academia de San Fernando en Madrid. Pero no era un estudiante bueno: se saltaba muchas clases.
Se mudó a París donde conoció a muchos artistas, escritoras (como Gertrude Stein) famosas que le inspiraron.
Tuvo periodos artísticos distintos en su obra y cada periodo se marca por aspectos únicos.
Era un poco donjuán con las mujeres, pero se casó solo 2 veces. Tuvo 4 hijos.
Murió el 8 de Abril de 1973 en Francia, cuando tenía 91 años.
Les Demoiselles d’Avignon, 1907
Una casa de prostitutas (en Barcelona). Se considera como la inspiración o el principio del movimiento cubista, que Picasso y Georges Braque crearon juntos. La recepción de esta obra por el público no fue muy buena. Este estilo fue muy polémico y revolucionario.
Arlequín con espejo, 1923
Picasso se sentía fascinado por el mundo circense y se identificaba con los arlequines que son tristes, solitarios. Pintó esta obra después de la primera guerra mundial y marca un periodo que se llama “Nueva Figuración”.
Las Meninas, 1957
Esta pintura fue parte de 58 pinturas de Picasso que analizan Las Meninas de Velázquez. Puede verse el uso del cubismo en la obra, un lenguaje artístico que Picasso usó en todo su vida. Picasso transformó una obra clásica en una obra completamente nueva y reinterpretada por el arte moderno.
Salvador Dalí
Fue el artista que dijo “El surrealismo soy yo” que mezcló el arte con la psicología y el mundo de los sueños. Fue pintor, escultor, actor, director de cine y figura pública.
Nació en Figueres el 11 de Mayo del año 1904. Se llamó “Salvador” como su hermano mayor, que murió el año anterior. De niño, Dalí dibujó para su hermana enferma.
Dalí se definó como pintor impresionista y fue a la Academia de Bellas Artes en Madrid, dirigido por su padre en 1920. En 1921, su madre murió de cáncer, y en 1922 conoció a Federico García Lorca, el poeta, y Luis Buñuel, el realizador, sus amigos y colaboradores más importantes.
En el año 1929, conoció a Gala, su amante y musa de su carrera, y el año siguente viajó a París con ella para estrenar sus obras y exhibiciones más importantes en París y Nueva York.
En 1934 Dalí y Gala se casaron, y Dalí fue expulsado del grupo surrealista de Breton por su comprensión con Hitler (Zaplana, 2002, 415).
En agosto de 1936, Federico García Lorca fue asesinado. Después de la portada de la revista Time, Dalí por fín consigó su fama deseada y fue reconocido por la calle y firmó autógrafos. En 1938 conoció a Sigmund Freud y Freud escribió de Dalí: “Este joven español, con sus ingeniosos ojos fanáticos y su indudable maestría técnica, me ha sugerido un juicio diferente.”
Con la segunda guerra mundial Gala y Dalí fueron a los Estados Unidos, donde Dalí publicó una de sus tres autobiografías.
Dalí volvió a España en 1949, donde continuó trabajando con todos los medios. Gala murió en 1982, y Dalí en 1989 después de muchos años de depresión y mala salud.
Muchacha en la ventana (1925)
Un retrato de su hermana, este cuadro representa el periodo de exploración antes de que Dalí adoptó el surrealismo de André Bretón. La obra muestra Cadaqués, la playa cerca de Figueres, y la paleta está influída por la época azul de Picasso.
El gran masturbador (1929)
La forma extraña usa muchos de sus símbolos favoritos: el león como deseo sexual, las piedras como su pasado, la figura aislada como soledad, las hormigas como castigo, el lirio como la pureza, el pistilo de la flor como símbolo fálico, la masa amarillenta como autorretrato del pintor con su piel pálida y nariz grande, y la cabeza de Gala.
El enigma sin fin (1938)
El ejemplar más importante de la anamorfosis, cuando una figura puede ser muchas imágenes. Este cuadro, con un primer plano de una mesa y un fondo de montañas extrañas, lleva seis dobles imágenes: 1. Playa del cabo de Creus con mujer sentada vista de espaldas remendando una vela, y barco; 2. Filósofo recostado; 3. Rostro del gran cíclope cretino; 4. Galgo (perro); 5. Mandolina, frutero con peras, dos higos encima de una mesa, y 6. Animal mitológico
Me gustan las bellas artes españolas. ¿Habéis estado en el Museo del Prado? Allì hay muchas obras maestras. En la planta baja se exponen las obras de Bosch y detengo la mirada en sus obras maestras. Voy a presentar mis favoritas.
Hieronymus Bosch (su verdadero nombre era Jeroen van Aken) es un pintor del primer perìodo de Flandes. Bosch procede de el nombre de su ciudad porque pasó casi toda la vida en esta ciudad. Su biografía es pobre en datos. Nace en casa de pintores, en Hertogenbosc, alrededor de 1450. Su padre, Anthonis van Aken, su abuelo, Jan van Aken y su hermano mayor, Goosen, son pintores. Se casa con la hija de una familia rica y entra en su círculo de amistades y despliega una actividad como persona importante. A petición de todas partes de Europa pinta numerosas obras, pero por desgracia se destruyen la mayorìa por influencia de la destrucción de los ídolos de la Reforma del siglo XVI. En la actualidad quedan casi 30 obras.
Hay muchas obras basadas en alegorías de la Santa Biblia pero estàn envueltas en misterio asociado con superrealismo. Los animales imaginarios en miniatura, la escultura gótica, le habían influido mucho. Felipe II había coleccionado la mayorìa de las obras preciosas desde el punto de vista de la cantidad y la calidad, hoy en el Museo del Prado. En 1504 Felipe el Hermoso, su abuelo, el marido de Juana, reina de Castilla, encarga a El Bosco tres series cuyo tema es el juicio final y Marguerite d’Autriche, su tìa abuela, tiene algunas obras de la tentaciòn de San Antonio por Bosch en su galerìa de arte en Malines. La casa de Nassau, Engelbrechts II y su sobrino Enrique III, encargan El Jardín de las Delicias. Cuando Felipe II domina los Países Bajos, estudiosos de las humanidades, funcionarios y nobles españoles se mudan allí y empiezan a coleccionar sus obras.
El Jardín de las Delicias
Una de ellas se llama El Jardín de las Delicias y la pinta de 1490 al 1510, cuando tenía entre 40 y 50 años. Su tamaño es de 220 ㎝ × 389 ㎝. Esta obra es la màs famosa y de mayor escala y la creó en su apogeo como pintor. Es un óleo pintado sobre tabla. Su forma es muy interesante para mí. Los rectángulos de los dos extremos ocultan el panel del centro, es decir, su constitución es como una luna de tres espejos. En el reverso de cada uno de los dos extremos pinta la Tierra (La Creación del Mundo), basada en la teoría heliocéntrica que era común en esa época, en un semicírculo de grisaille. En el panel de la izquierda Dios entrega a Eva como regalo a Adán. En el centro presenta un espectáculo que llama la atenciòn de la gente: hay desnudos, animales imaginarios, grandes frutas, estructuras amontonadas. En el panel derecho aparecen los pecadores que son torturados en el infierno. Probablemente la historia se desarrolla de izquierda a derecha, pero eso no es obligatorio. Esta obra ilumina la moral más que apeminar.
La mesa de los siete pecados capitales
Los siete pecados capitales (120 ㎝ × 150 ㎝), de alrededor de 1480, también es una pintura al óleo. Felipe II la compra en 1574 y la lleva a El Escorial. Tiene un sentido moral: el fin de los pecadores. En el centro se representa a Jesùs, que trae la Redenciòn por su sacrificio. Debajo se lee una frase en latín. En la circunferencia se representan escenas mundanas de los sietes pecados capitales: agricultores peleando delante de las tabernas (ira), una dama engalanándose frente al espejo que sujeta el diablo (soberbia), las parejas flirteando con bufones (lascivia), un monje que duerme mientras la Fe trata de despertarlo (pereza), glotones y bebedores (gula), un juez que se deja sobornar por las partes (avaricia), un marido que seduce a otra mujer, los que envidian a los nobles y perros que desean huesos mayores (envidia). Arriba y abajo hay dos frases que expresan la desilusión de Dios. En los círculos de los cuatro rincones se representan la muerte de Jesús, el Juicio Final, el infierno y el paraíso.
La extracción de la piedra de la locura
La extracción de la piedra de la locura, 47.5 ㎝ × 34.5 ㎝, pintura al òleo: en un cìrculo se representa una escena satìrica y para explicarla, en la circunferencia se lee Maestro, extráigame la piedra, mi nombre es Lubber Das. Con el fondo de un vasto paisaje, un paciente ignorante intenta que le quiten su demencia. Un cirujano que se cubre con un embudo al revés representa él mismo la estupidez. Al lado un monje intenta desviar su atención, lo que implica que toma parte en el engaño absurdo e intenta crear una religión falsa. Una mujer a la derecha simboliza la ciencia y el conocimiento ignorados.
Si tenéis ocasión de ir al Museo de Prado, os recomiendo que los veáis.
El arte es una gran parte de mi familia y la cultura. Mi madre es escultura y tengo una hermana gemela que tiene dos pinturas en el Museo Getty en Los Angeles. Yo vivo con una pasión por el arte. Mi arte favorito es el graffiti, porque me encanta pintar murales. Mi artista favorito es Banksy porque el tiene un estilo unico. A veces me gustaría escribir mi nombre en las calles y los edificios después de la escuela con mis amigos.
Tuve problemas en ocasiones porque el graffiti es ilegal. Entonces lo dejé y ahora estoy aprendiendo a pintar, esculpir y otras formas de arte. Echo de menos la playa en Venice, California, y dibujar con mis amigos. Yo estudio arte en mi escuela en San Diego pero la Autónoma no tiene clases de arte como pintura.
La publicidad hoy en día es parte integral de nuestras sociedades y dela vida cotidiana. Quería describir algunos rasgos de la publicidad de hoy que me parecen los más representativos.
OMNIPRESENTE
La publicidad está por todas partes, como dice de manera irónica Fry, personaje de nuestra época perdido en el tercer milenio (1’48):
Aunque no tenemos todavía anuncios en nuestros sueños, estamos rodeados por la publicidad. Y los anunciantes siempre tienen nuevas ideas. Últimamente, la moda es usar el cuerpo humano, que se ha convertido en una gran valla publicitaria.
Hay voluntarios para tatuarse un anuncio en su piel. Es un concepto más moderno que el antiguo «hombre anuncio», el que camina en las calles enfundado entre dos carteles.
Si quieres hacerlo, elige una parte de tu cuerpo (la frente, un brazo, una pierna o un hombro) y tu empresa: en el caso de TatAd.com, por ejemplo, los tatuajes son permanentes. Indica tus preferencias de marcas y del tamaño del tatuaje. La empresa necesita un perfil de tu vida (donde vas, cuáles son tus ocios…) para acercarse al público que está buscando.
En la foto se puede ver el ejemplo de una mujer que por 10.000 dólares se tatuó de manera permanente una dirección de una cadena de hoteles en la frente:
Los resultados muestran que es un método efectivo para comunicar.
Pero el tatuaje no es la unica manera de utilizar el cuerpo humano. Una agencia de Nueva Zelanda ha tenido una nueva idea: se trata de colocar unas barras plásticas en bancos públicos de tal forma que cuando alguien se siente, se le quedará marcado el mensaje en la piel. Es bastante original, pero no consulta primero al usuario si querría o no ponerse una publicidad.
DE ALTA TECNOLOGÍA
¿Habéis visto la película Minority Report? Hay una escena donde Tom Cruise se encuentra paseando por un centro comercial y observa a su paso que los carteles publicitarios van cambiando el contenido de sus anuncios:
Pues actualmente, Samsung está desarrollando un sistema capaz de detectar los perfiles de cada persona (sexo y rango de edad) mediante una tecnología de reconocimiento facial. Eso permite la personalización de la publicidad y de emitir anuncios de acuerdo a cada individuo. La efectividad de los anuncios aumenta enormemente. En la jerga del marketing se dice que «el target masificado se ha convertido en un target segmentado».
Pero este sistema ya es muy criticado, en lo relativo al respeto de la privacidad de los ciudadanos. El fabricante asegura que todos los datos son anónimos y que las imágenes son inmediatamente borradas una vez se ha mostrado el anuncio.
CONTROVERTIDA
Es muy conocido, un método eficiente para atraer la atención es ser objeto de controversia. Los temas favoritos para polemizar son, por supuesto, la religión y el sexo.
Religión:
Últimamente, Benetton ha creado una campaña que se llama Unhate para combatir la cultura del odio (ver el artículo de Gabrielle sobre Benetton). El equipo de marketing decidió crear una foto mostrando al Papa Benedicto XVI y al imán de la mezquita de El Cairo besándose en la boca. El Vaticano solicitó la retirada de la foto y anunció la intención de ir a la justicia contra Benetton. La marca decidió eliminar la foto, lo que seguramente estaba previsto en la campaña de marketing inicial.
Sexo:
A las marcas de ropas de lujo les gusta acompañar cada temporada de publicidad con sexualidad explícita. El ejemplo aquí es una campaña publicitaria de Calvin Klein que despierta la polémica por el «elevado tono erótico» y también por haber utilizado modelos de aspecto adolescente.
CREATIVA
La publicidad puede mostrar una creatividad al servicio de la eficacia. Como tipo de comunicación gráfica, se presta una atención especial a las imágenes.
Algunos anuncios cuestionan los límites entre el arte y la publicidad. ¿Son los anunciantes artistas? Es un gran debate que depende de la definición del arte y del artista. Son dos mundos que se mezclan y se influyen mutuamente.
Lipton se inspira de una obra de Salvador Dalí
Lo que es seguro es que la publicidad es una producción cultural, que contribuye a homogeneizar la cultura occidental. Todo el mundo consume productos como detergente, cereales o café. What Else?
Para concluir, te propongo algunos enlaces interesantes:
– Coca-Cola gasta miles de millones de dólares en publicidad (dos mil millones en 2007): el resultado tiene éxito.
– Sitios Web donde hay anuncios artísticos, creativos o graciosos, donde he encontrado algunas de las fotos de mi artículo: aquí, aquí más y aquí más todavía.
Cirque du Soleil, Arcade Fire, francés, inglés, festivales. La ciudad de Montréal, mi ciudad natal, puede ser asociada a todas estas palabras pero, en mi opinión, esta asociada sobre todo a la última. Efectivamente, Montréal esta considerada por muchas personas como la capital de los festivales porque más de una centena de festivales tiene lugar cada año en todos los campos de intereses : música, cine, baile, teatro, moda, deportes, comedia. Elegí presentaros cuatro festivales de Montréal que pueden divertiros en verano como en invierno.
I N V I E R N O:
Igloofest:
Igloofest es un festival de música electrónica exterior que tiene lugar cada año durante el mes de enero. Esto podría parecer loco si tenemos en cuenta que la temperatura invernal media gira en torno a -10°C durante el día. Añadid a esto el hecho de que el festival se celebra durante la tarde al lado del río (aún más frío) y es bastante para disuadir a muchas personas de presentarse ahí.
Sin embargo, la gente de Montréal no se dejan impresionar por Madre Naturaleza. Vale con ponerse su ropa de invierno más caliente o también de participar en el famoso concurso de one piece (mono de esquí de estilo de los años ochenta normalmente con colores llamativos) para estar listo para bailar toda la noche. Si esto todavía no es suficiente, podéis ir a tomar una copa al bar de hielo para olvidar que ya no sentís vuestros dedos.
Montréal en lumière:
El festival Montréal en lumière es uno de mis festivales favoritos. Dura aproximadamente dos semanas a partir de mediados de febrero y se centra sobre la luz, las artes y la gastronomía en un contexto invernal. Durante estas dos semanas, instalaciones artísticas y proyecciones de imágenes sobre los edificios iluminan la ciudad. Un gigantesco resbalón y una gran noria están también instalados para celebrar el invierno en un ambiente carnavalesco. El punto culminante de este festival tiene lugar el último fin de semana, durante la famosa noche blanca que fue inspirada por la de París. Para esta ocasión, podréis utilizar la red de metro toda la noche o bien visitar numerosos museos y restaurantes que están abiertos para los visitantes nocturnos. Para acabar bien la noche, decenas de espectáculos musicales y de fiestas tienen lugar en las salas de conciertos y los bares hasta la madrugada.
El festival de Jazz de Montréal, que se celebra cada año durante el mes de julio desde hace más de treinta años, es uno de los festivales más conocidos fuera de Canadá. Es efectivamente el más importante festival de jazz del mundo, recibiendo anualmente más de 2,5 millones de espectadores que vienen a disfrutar de su programación de envergadura. Durante este festival, podréis elegir entre 650 espectáculos ofertados, de los cuales 450 son exteriores y gratuitos. A través de los años, el festival ha recibido muchos artistas famosos como Miles Davis, Ray Charles, Ella Fitzgerald, Bob Dylan, Stevie Wonder y Prince.
Festival juste pour rire:
El festival Juste pour Rire (que se traduciría como “festival solo para reír”), está dedicado a la comedia y es realmente único. Se celebra en julio, normalmente después del Festival de jazz, durante dos semanas. Es actualmente el festival de comedia más grande del mundo y ya ha exportado su concepto al extranjero, por ejemplo a Estados Unidos y a Francia. Durante este festival, podéis disfrutar de una larga programación de galas y de espectáculos de comedia en francés como en inglés. Podéis también asistir a la tradicional parada de los gemelos y sobre todo a los varios espectáculos gratuitos de arte de la calle. Esta parte del festival, que tiene lugar al exterior es, en mi opinión, la más impresionante. Reúne a varias compañías artísticas locales e internacionales invitadas para presentar sus números al aire libre en el centro de la ciudad. Este video os presenta un ejemplo de arte de la calle durante la edición 2010 del festival:
Hoy voy a hablar de la pintura del siglo de oro español, porque lo que me gusta mucho en Madrid es ir y volver al Prado, para ver las pinturas de los grandes maestros españoles, como Zurbarán, Juan Sánchez Cotan o Jose de Ribera, que tienen en mi sentido algo muy especial que no podemos encontrar en la pintura italiana o francesa, por ejemplo. Lo que me gusta mucho es que hay generalmente una calidad obscura en estas pinturas, es decir, muchas sombras, y de eso como una resonancia de la luz en el espacio del cuadro, y también un sentido de transcendencia que aparece cuando el espectador esta mirando a las pinturas.
La primera pintura que quería comentar es la de Juan Sánchez Cotan que se llama Bodegón de caza, hortalizas y frutas y que pintó en 1602. El termino “bodegón” se refiere a las pinturas que representan la cocina o los alimentos que se encuentran en la cocina, o la caza. Aquí hay un ramillete de pájaros muertos que es muy extraño porque parece como un juego para los niños, y en verdad están muertos, y quizás van a ser comidos.
Cotán era de Toledo, y tuvo éxito como un artista en su ciudad por cuarenta años, antes de renunciar a la vida de artista e ingresar en la cartuja de Granada, donde hoy se conservan muchas de sus obras. Los objetos elegidos para esta composición no son ordinarios, o superficiales, sino que son como claves de la significación de la obra, y el espectador busca en ellos las intenciones precisas del autor, que a veces quedan misteriosas. En una apertura cuadrada, sin duda una ventana, se encuentran algunos objetos raros, frutas y verduras, dispuestas con un rigor geométrico absoluto y alumbradas por una luz violenta cuyas sombras intensas dan a los objetos un relieve casi irreal. Podemos comprender el estilo verdaderamente español comparándolo con los bodegones flamencos, que presentan composiciones mucho mas rellenas con proliferación de flores, o alimentos, y pintadas con colores vivos que se integran en el fondo, generalmente mas claro, de manera mas fluida.
Otro pintor español que fue muy dotado para pintar bodegón fue Juan Fernández, activo entre 1629 y 1936 y llamado El Labrador porque vivía en el campo. Pintó frutas tan realistas que podríamos por ejemplo reconocer el tipo de las uvas y su maduración en el Bodegón con cuatro racimos de uvas. Una vez mas, el fondo negro actúa como una puesta en escena muy sobria que hace las uvas salir del cuadro y parecen reales y prestas a comer.
Francisco Zurbarán (1598-1664), un contemporáneo y amigo de Velazquez, también pintó bodegones, pero supo además crear grandes composiciones, generalmente religiosas, que utilizaban la luz como la irrupción de lo sagrado en el mundo humano. Estaba muy influenciado por El Caravaggio. En una de sus obras, Agnus dei, juega con el limite entre el bodegón y la pintura de carácter religioso, representando un cordero, símbolo por el sacrificio de Cristo, y lo pintó como un bodegón, con muchos detalles, y texturas. Al final de mirarlo, es como una contemplación de un elemento cotidiano que al mismo tiempo transciende una naturaleza divina, como si el Espíritu Santo será encarnado en este animal, tan hermoso es y radiando sobre el fondo negro.
Me gusta mucho esta pintura, porque podemos interpretarla de muchas maneras diferentes, y en el mismo tiempo es muy simple, solamente tiene un elemento central, pintado con mucho cuidado. Su factura es muy realista y parece como una foto, por eso podemos también decir que es una obra muy moderna, que se concentra sobre lo esencial y referencia a muchas tradiciones, tanto los sacrificios antiguos, como la metáfora del Cristo.
Otra extraña pintura de Zurbarán es un autorretrato con el Cristo crucificado. El pintor se encuentra en la habitual plaza de San Juan, mirando arriba, con su paleta en la mano. Esta pintura crea una intima relación entre el sujeto y el objeto de la obra, y hace una reflexión sobre el valor del arte en relación con la religión.
Después habia pensado mucho sobre el tema de este texto decidí escribir sobre música, mejor dicho un instrumento musical: el órgano. Comencé tocar el órgano hace seis años porque quería aprender a tocar otro instrumento que el piano que tocaba desde hace muchos años.
El órgano es un instrumento un poco extraño para mucha gente porque lo relaciona solo con la iglesia. Es verdad que se tiene que ir a una iglesia para tocar el órgano pero solamente porque al contrario de una guitarra o un piano, casi no hay nadie que tenga un órgano en su casa. Yo también tengo que ir a una iglesia cerca de mi piso en Viena para practicar y tocar el órgano.
El primer órgano fue construido por el ingeniero griego Ktesibios en Alejandría en 246 a. C. y se llamaba „Hydraulis“ porque el agua producía una presión del aire homogéneo. Los romanos adquirieron los órganos de los griegos y usaron estos en sus arenas. No antes del Siglo X habia órganos en las iglesias. El órgano mas antiguo que todavia existe es del año 1435 en la Basilique de Valère en Sion en Suiza.
En el Barroco el órgano tuvo su periodo de florecimiento tanto en compositores como en organeros. En este tiempo vivieron compositores como J. S. Bach, Haendel, Frescobaldi y Buxtehude. Después en el tiempo clasico el órgano fue pasado por la mayoria de los compositores y así se reservó casi solamente para la musica religiosa. El segundo periodo de florecimiento fue el Romanticismo cuando compositores como Franck, Widor, Mendelssohn y Brahms vivían.
El órgano se compone de un sinnúmero de flautas de diferentes materiales y longitudes, los que el organista maneja con sus manos en los manuales y sus pies en los pedales. Un grupo de flautas del mismo tipo se llama registro. El organista puede eligir de varios registros para influir el sonido del órgano.
A mí la música del órgano que me gusta mejor es la música de Bach pero hay también muchas otros compositores que me gustan tambien. Si quereis escuchar a unas piezas aqui teneis unas de las mas conocidas de Bach:
J.S. Bach: Fantasia Sol Mayor
J. S. Bach: Preludio y Fuga La Menor
y la pieza mas conocida para el órgano de J. S. Bach: Toccata y Fuga Re Menor
Aqui también una pieza muy conocida del tiempo del Romanticismo: C. Widor, Toccata en Fa Mayor
La exposición Pasión por Renoir, que ha llevado a Madrid por la primera vez la colección del Sterling and Francine Clark Art Institute de Williamstown (Massachusetts) ha sido inagurada el día 19 de Octubre y ya está teniendo un gran éxito. Es comisariada por Javier Bardón, del Museo del Prado y Richard Rend, del Sterling and Clark Institute, y se lleva a cabo en el Museo del Prado: éso permite de experimentar nuevas emociones en el contexto de una colección tan importante como la de este museo nacional.
Las obras pertenecen a la madurez artística de Renoir y hay diferentes temas, así que se puede apreciar un amplio rango de sujetos y observar como las diferentes tradiciones artísticas influyeron en el arte de este pintor.
A través de sus tres autorretratos pintados en tres diferentes periodos de su vida podemos conocerlo de manera más directa; ésos nos permiten entender su personalidad y acercarnos a su técnica artística, que se desarrolla desde las obras dominadas por pinceladas sueltas y amplias hasta el estilo más «clásico».
Uno de sus temas favoritos, que el aborda sobre todo en el retrato, es el de la figura femenina; en este sentido emblemático es el hermoso retrato de Thérése Bernard (1879), donde la prevalencia del fondo morado hace destacar las mejillas de color rosa de la niña.
Es justo en estos colores que se alimenta la paleta del artista como resulta claro también en Marie-Thérèse Durand-Ruel cosiendo (1882), donde la figura de la joven está toda construida por los rojos y los amarillos. Sin embargo la obra que más se admira es Palco en el teatro (1880): esplendida es la construcción espacial y hermosa la cara de la joven mujer, absorta en su elegante vestido negro, sobre el cual se destacan los ornamentos florales, que juegan con el ramo de flores, pintado en el canon impresionista, con pinceladas que saben describir el instante. Es interesante notar que en esta sección hay también la primera obra comprada por Sterling en 1916, es decir Muchacha haciendo ganchillo (1875).
Otro tema tratado es el del paisaje; las obras muestran como Renoir sabía confrontarse con diferentes tipos, desde la producción de puestas de sol muy dramáticas, hasta los paisajes con barcos, siempre filtrados por la visión impresionista. Aquí cerca hay tres «bodegones», entre los cuales uno dialoga con las obras semejantes de Cezanne y nos recuerda del confronto puesto en obra en la exposición sobre Renoir y Cezánne que tuvo lugar en Brescia en 2005. La historia personal del artista, que antes de ser pintor decoraba porcelanas, lo ha convertido en un verdadero observator de los detalles de la realidad, como es claro en su Peonias (h.1880).
El hilo rojo del erotismo, presente de vez en cuando en algún detalle, se deja descubrir en la ultima sección de la exposición, dedicada a la producción del desnudo. Su mujeres se parecen a ninfas clásicas y son pintadas con colores tenues en un paisaje natural de azules y verdes que recrean la impresión de la naturaleza y acogen estas prósperas mujeres. Este momento artístico encuentra su origen en el contacto con la tradición italiana, sobre todo con Rafael. En este contexto es espontáneo advertir una relación con el grande maestro, incluso muy presente en el Prado, Rubens. Entre las otras obras, Bañista rubia (1881) destaca gracias a su altísima calidad cromática y a la serenidad que expresa el rostro de la joven, quizás perdida en un pasado de formas antiguas. Las obras de la colección alcanzan el cambio de siglo pero, excepto por el retrato de Jacques Fray, no lo sobrepasan. Sin embargo es la emoción y la joie de vivre que permanecen en el visitante lo que esta exposición sabe regalar.
MUCHA CLASE es el blog en el que participamos mis alumnos de español y yo. Estamos en Madrid (España), en la Universidad Autónoma, en un lugar llamado Cantoblanco.
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