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Forró y las fiestas de São João

Colaboración de THIARA

El Forró es un ritmo típico de una danza en el noreste del Brasil especialmente en las ciudades del Caruaru, Campina Grande y Juazeiro, donde se celebra la mayor fiesta de “São João” en el país. En Aracaju, Fortaleza, João Pessoa, Natal, Maceió, Recife, y Teresina es tradicional las fiestas y presentaciones de bandas de forró en eventos privados especialmente para atraer los jóvenes.

Pero ahora el forro se propago por todo el país y es conocido como “arrasta-pé”.

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Son muchas las leyendas del origen de este ritmo. Algunos investigadores dicen que el forró surgió en el siglo XIX cuando las pistas de baile eran de tierra, y por eso era necesario regarlas con agua para que el polvo no se levantase. Las personas bailaban arrastrando los pies para evitar el aumento del polvo.

A pesar de su antigüedad, fue apenas en 1950 que el forró se convirtió en un fenómeno muy fuerte, cuando Luiz Gonzaga grabó la musica “Forró Mane Vito“. Sin embargo, el baile se hizo popular en Brasil con la intensa inmigración del nordestismo a otras regiones del país, especialmente en Brasilia, Río de Janeiro y Sao Paulo durante los años de 1960.

Desde el siglo XIX y en contacto con diferentes danzas más antiguas del país, la banda sufrió influencias regionales, surgieron muchas variantes, y por eso este término es asociado con varios ritmos musicales como baião, quadrilha y xaxado con influencias holandesas y el xote con influencia portuguesa. El forró tiene semejanzas con el toré y arrastre de los pies de los indios e influencia de los bailes de salón europeo.

Normalmente los músicos están formados por tríos, compuestos de un sanfoneiro, un zabumbeiro y un tocador de triângulo.

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Es común asociar el origen de la palabra “forró” con la expresión del idioma Inglés for all (para todos). Algunas personas creen que a principios del siglo XX, los ingenieros británicos que estaban en Pernambuco para construir el Gran Ferrocarril del Oeste, promovían bailes abiertos al público, y decían que era “for all” pero los nordestinos no conseguían pronunciar la palabra y pronunciaban “forró”.

El forró es bailado en parejas y una de las principales características es bailar con los cuerpos muy juntos y con sensualidad.

Existen muchos pasos como el giro simple, giro del caballero y giro junto.

Aquí en Madrid, hay una Asociación Brasileña que busca difundir la cultura escapando del modelo comercial estereotipado del este del país. Esta fundación tiene un bar que realiza fiestas temáticas y también ofrecen clase de forró gratuitas.

Fiesta de São João

En el mes de Junio, se celebran en Brasil los santos católicos que están históricamente relacionados con la fiesta pagana del solsticio del invierno en el hemisferio sur, que se celebra el 24 de junio. La fiesta se originó en la Edad Media en la celebración de los llamados santos populares San Antonio, San Pedro y San Juan (Santo António, São Pedro y São João).

En estas fiestas que se celebran en todo el País, es tradicional la danza llamada Quadrilha con orígenes europeos que llegó a Brasil con intereses de la clase media y las élites portuguesas y brasileñas del siglo XIX por todo lo que estaba de moda de París. Aunque inicialmente adoptado por la élite urbana brasileña, esta es una danza que tuvo su mayor fuerza en el campo rural, por eso las personas usan ropa campesina y se convirtió en una danza típica de las festividades de junio, especialmente en el noreste.

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Sin embargo, hoy en día, esta artificialidad rural es visto por los juerguistas como una actitud lúdica, festiva y teatral, y no como la expresión de un ideal popular.

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Alivia el dolor con el baile

COLABORACIÓN DE LEJLA

Está probado que el baile puede hacerte más alegre, más sano y más inteligente. Hay investigaciones que muestran que el baile reduce el estrés, mejora la memoria y alivia la angustia y el dolor. También el baile mejora el movimiento y la capacidad de concentración y aprendizaje. El baile nos hace más conscientes de nuestros cuerpos y nos hace más creativos, así como aumenta nuestra energía de vida y autoestima. Nos afecta físicamente, psíquicamente, emocionalmente y biológicamente.

Un estudio sueco examinó a un grupo de mujeres con síntomas de agotamiento y dolor crónico. Llegaron a bailar durante 90 minutos una vez a la semana durante seis meses. Esto dio resultado, tanto a corto como a largo plazo. Sus problemas de dolor disminuyeron y sus movimientos se hicieron más suaves y más matizados. Cuando el patrón de movimiento se hizo más matizado, lo mismo pasó con la capacidad del paciente para expresar y verbalizar sus sentimientos. El baile también disminuyó el estrés de las mujeres.

El baile más eficiente es el baile libre, improvisado, el que proporciona los efectos emocionales más profundos. Y si no quieras bailar, puedes ver a otra gente cuando baila. También está probado que esto tiene efectos buenos en la salud. Si miramos a la gente en movimiento complicado, también podemos estimular nuestra propia capacidad de diferenciar nuestros sentimientos. Puede parecer raro que el efecto sea el mismo, independientemente de si nosotros estamos bailando o solo mirando el baile, pero la investigación muestra que puede ser así. Con los efectos que muestran la investigaciones, no es imposible que los médicos comiencen a recetar baile, pero la clave es comenzar con el baile en las escuelas, según Eva Bojner Horwitz, la investigadora de estos estudios.

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El Baile de la Ópera de Viena

Colaboración de JOHANNA

operaviena1El Baile de la Ópera es un acontecimiento anual que tiene lugar en la Ópera de Viena. Por una noche, el edificio de la ópera de Viena -que es una de las más importantes y conocidas en todo el mundo- se convierte en un gran salón de baile.

Cada año, en el mes de febrero, se quitan todas las filas de asientos para tener un suelo bien nivelado. Junto con el escenario forman una grandísima pista de baile. El código indumentario es muy estricto: los señores vestidos obligatoriamente de frac y las señoras de traje largo de noche.

Como persona normal y corriente no es posible entrar: los billetes se venden a partir de 300 Euros.

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El baile empieza a las 9 con el himno del estado que entona el presidente. Luego hay otra atracción especial, la apertura de los debutantes: unas 180 parejas de chicos y chicas vestidos de frac y en traje largo de noche blanco con una pequeña corona en el pelo. Para obtener el permiso de abrir el baile de la ópera hay que cumplir dos condiciones: conocer a alguien influyente y saber bailar el vals a la izquierda (y tener dinero: solamente abrir el baile cuesta 180 Euros).

El baile de la Ópera ya se ha convertido en un sector económico importante para la ciudad de Viena. El baile tiene aproximadamente 12.000 visitantes y es uno de los más importantes lugares de encuentro para políticos, empresarios y gente famosa de todo el mundo.

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Breve Historia: El primer baile en la Ópera del Estado tuvo lugar en 1877, y a partir de este año la tradición no ha cambiado mucho.

La cultura del baile es muy prevalente en Austria. Hay más de 450 bailes al año en la ciudad de Viena. Durante todo el mes del febrero hay varios bailes, en realidad cada departamento tiene su propio baile: hay un baile de la policía, de los funcionarios del Estado, de los artistas, de profesores….

La música electrónica: del sintetizador al dancefloor

Colaboración de THIBAULT

Se conoce como música electrónica a toda aquella creada por sintetizadores, máquinas de ritmo, sampleadores y ordenadores. La música electrónica nació a principios del siglo XX y encuentra sus origenes en Europa y los Estados Unidos. Las técnicas asociadas y los sonidos revolucionaron la manera de producir música. Es lo que voy a intentar demostrar en este texto.

Investigación y nuevos sonidos

THEREMIN_bigEn las primeras horas de la música electrónica, encontramos más ingenieros que músicos. En efecto, el objetivo era trabajar mezclando los conocimientos en electrónica y acústica para grabar, ampliar el sonido y crear nuevos sonidos a través de nuevos instrumentos. No voy a dar una lista completa de los que trabajaron sobre este tema, Wikipedia lo hace mejor que yo. Pero se puede citar por ejemplo a Thomas Edison con su fonógrafo (1878) y a Lee DeForest, que inventó una manera de ampliar un sonido en 1906.

Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado en 1920. Y, en 1928, un músico e ingeniero francés inventó los Ondes Martenot, instrumento capaz de generar sonidos muy específicos. Estos dos instrumentos se siguen utilizados hoy en día solo por aficionados, pero influyeron sobre la música moderna. Por ejemplo, se puede escuchar en algunas músicas de los Beatles o Radiohead.

Por la parte musical, esta época fue influida por la era industrial. El futurista italiano Luigi Russolo publicó un manifestó titulado « El arte de los ruidos » que desarrolla una visión de la música más moderna y más orgánica con sonidos de la vida real. Este será el principio de lo que llamaremos la música concreta donde los artistas mas famosos son los franceses Pierre Schaeffer y Pierre Henry.

El sintetizador y su influencia

Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. En 1947 fue creado el primer teclado capaz de reproducir el violín y la gaita. Pero en los Estados Unidos, hay una gran competición por el que hará el primer sintetizador estable y útil para las escenas. Daniel Butcha creó el primer sintetizador en 1963 y Robert Moog en 1964. El más conocido de esta época es el Minimoog.

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En esta época, la música electrónica salió de los medios intelectuales. Los años 70 vieron la utilización de sintetizadores en la música rock por grupos como Pink Floyd, Yes o Tangerine Dreams. También otros grupos o artistas contribuyen a popularizar la música creada de modo electrónica como Kraftwerk, Jean-Michel Jarre, Depeche Mode o Giorgio Moroder.

El ordenador y el surgimiento de la música electrónica de baile

A finales de los años 70, la música disco se conoció mundialmente y la música electrónica se popularizó. En los años 80, varios estilos nuevos electrónicos surgieron como la House en Chigago o la Techno en Detroit y muchos otros mezclando varias influencias. Una característica de la música electrónica es la utilización de bucles y un carácter repetitivo que hace de ella una buena música para bailar. En esta década se desarrolló el concepto de disc-jockey.

Mientras eso, las máquinas y los ordenadores hicieron grandes progresos. En 1981, fue creado un lenguaje, el MIDI para Music Interface for Digital Instrument, que permite la comunicación entre diferentes aparatos. Este lenguaje sigue utilizándose hoy en día. Ademas, la invención de sampleadores y maquinas de ritmo influyó en la música hip-hop. En esta época, se desarrollaron también softwares dedicados a la creación musical.

Desde los años 2000

A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción músical se hace más sencilla y más barata. La difusión de su música es también algo mucho mas sencillo ahora que antes con Internet y las redes sociales. Todo el mundo puede lanzar un álbum, la calidad no está siempre presente, pero no se necesita ni mucho dinero ni clases de piano o de solfeo para componer su propia música.

Hoy, hay componentes electrónicas en muchas de las músicas actuales y el numérico es la forma más sencilla de compartir la música. Solo algunos artistas son capaces de vivir con el dinero de la venta de su música, la mayoría tiene que dar conciertos. Aunque la música electrónica puede ser calmada, es una música capaz de hacer bailar a miles de personas. Ser dj puede ser un trabajo como otro, aunque ahora algunos están considerados como las nuevas rock stars.

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Theremin:

Música concreta:

Kraftwerk:

La Pizzica, una particularidad del Salento

Colaboración de MARIA

¿Aún no tenéis planes para el verano? Bien, perfecto, ¡aquí teneis la solución! ¡Vacaciones en Italia! Sí, pero ¿dónde?

En la parte meridional de la “bota” italiana, en el profundo Sur, precisamente en la Región Puglia, está el “Tacón de Italia”, un territorio llamado el Salento.

Se trata de un territorio que a través del tiempo ha sido influenciado por los Países Balcánicos y esto ha llevado a la creación de culturas diferentes a las del resto de la Región.

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(clic para ampliar)

Estas diferencias con el resto de la Región son múltiples: van desde el punto de vista lingüístico (por ejemplo, hay poblaciones que todavia hablan una lengua similar al griego antiguo) a lo arquitectónico, a las costumbres y tradiciones.

Sin duda una parte importante de esta tan particular cultura “salentina” está vinculada a la tradicional música y danza conocida como la “Pizzica Pizzica”.

La Pizzica es un baile con orígenes muy antiguos que, según algunos, se remontan al culto del dios griego Dionisos. En efecto en la antigua Grecia y en la parte meridional de la actual Puglia, durante los festejos en honor de Dionisos las poblaciones se abandonaban a bailes descompuestos y comportamientos desenfrenados, por supuesto ayudados, por el vino.

Pero la leyenda más conocida y más narrada habla de la Pizzica como una cura del “Tarantulismo”, una enfermedad ligada a la picadura de la tarántula, una araña venenosa.

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La leyenda dice que era en los días calurosos y sofocantes de verano a algunas mujeres les picaba la tarántula durante la cosecha de trigo y la reacción que resultaba era un estado de agitación y ansiedad, convulsiones, lamentos y gritos, síntomas que se aliviaban sólo a través del sonido del “tamburrello” (en español, “pandereta”) y del violín.

Así, era necesario un verdadero ritual de exorcismo: en la casa de la desafortunada se reunían alrededor de ella los músicos y con el ritmo implacable y obsesivo de los instrumentos la mujer picada podía bailar o simplemente agitarse salvajemente, incluso durante varios días, hasta que, desvanecida, se podía decir sanada.

Debido a este tipo de orígenes se dice que la Pizzica es un baile terapéutico; sin embargo, era una cura no sólo a la picadura de la tarántula, sino también una solución a las tristezas y las angustias de la vida cotidiana.

Hoy en día se baila la Pizzica para dar rienda suelta a los propios sentimientos, para librarse de la tristeza, pero también para exteriorizar las alegrías.

La Pizzica, además, se ha convertido en un baile de seducción. En este sentido se la llama la “Pizzica de core” (en español: del corazón) y es un baile de cortejo, en que los dos bailarines (un hombre y una mujer) están muy cerca, pero nunca se tocan, todo se lleva a cabo con el intercambio de miradas provocativas, diferentes movimientos que demuestran que el hombre corteja y la mujer es cortejada y ésta, sin embargo, escapa si él intenta acercarse.

Una característica especial de esta danza es el pañuelo rojo que agita la mujer de una manera provocativa, con el que elige, cada vez a su gusto, e invita a su pareja de baile. La mujer cambia su “caballero” varias veces y finalmente ofrece su pañuelo sólo a la persona que durante el baile fue capaz de arrebatarle el corazón.

Otro tipo de Pizzica es la “danza de las Espadas” o “Pizzica a Esgrima” en que los bailarines son exclusivamente dos hombres que luchan. Ellos imitan un combate sólo mediante el uso de los dedos de la mano desnuda (sin embargo, se dice que hasta hace algunos años se utilizaban cuchillos reales).

El combate ocurre siguiendo el ritmo repetitivo y obsesivo de los “tamburelli” tocados por los músicos, que están dispuestos en un círculo (ronda) alrededor de los combatientes.

La tradición de la Danza de las Espadas se puede ver cada verano en la noche del 15 y 16 de Agosto, durante la fiesta de San Rocco en Ruffano.

Además, en los últimos años, hay habido un redescubrimiento de este “patrimonio cultural” y han nacido una miríada de grupos folclóricos, que contribuyen a la difusión en todo el mundo de las canciones populares antiguas.

Hoy en día la Pizzica Pizzica se ha convertido en un aspecto fundamental de la identidad del Salento que cada año atrae a un número cada vez mayor de turistas de todo el mundo. El evento culminante de esta realidad es el gran festival de la NOCHE DE LA TARANTA en Melpignano: una gran fiesta de la música tradicional del Salento que cada año cuenta con la participación de artistas de todo el mundo y a través de ellos la Pizzica se une, se amalgama y se renueva con otros géneros musicales.

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Durante el verano en el mar, en las playas, en las fiestas, en cualquier plaza sentiréis, veréis y bailaréis siempre y sólo Pizzica. Hasta la madrugada os encontraréis con continuos formar y reformar de “ronda” entre la multitud humana que cada año llega a este pequeño territorio de Italia para vivir en su piel la emoción de estar en otra época de la historia.

Uno, dos, tres… ¡Muévete!

Colaboración de NATALIE y JOHANNES

Uno, dos, tres… ¡Muévete! ¿Por qué? Porque bailar es más que diversión, es un estilo de vida, una forma de ejercicio que es muy variado, lo que significa que hay un estilo para cada uno. Esto puede explicar las diferencias entre algunos estilos de danzas que se originan en diferentes países.

España

Las danzas que se originaron en España tienen un estilo muy reconocible y único, principalmente estereotipado por las castañuelas. En primer lugar, el flamenco es, posiblemente, el baile más popular que se desarrolló en España. El flamenco es una danza que utiliza la música folk, creada principalmente con una guitarra, canto, palmas y el ruido de las castañuelas. Tiene su origen en la región de Andalucía en el siglo XVI, en el sur de España y es una danza que representa la cultura española, y contiene una gran cantidad de influencias de los gitanos árabes, indios y españoles.

Hoy en día la danza se caracteriza todavía por los trajes que visten los bailarines y el género musical único, creando un espectáculo inolvidable. Además, en los últimos años el flamenco se ha hecho muy popular en todo el mundo y se enseña en muchos países. Una curiosidad es que en Japón hay más academias que en España. ¡Qué extraño!

Otros dos estilos de danza que se originaron en España y que continúan con el uso de las castañuelas, son la Jota y el Bolero. La jota es un género de música y danza conocida en toda España, y muy probablemente se originó en Aragón. La jota se baila y canta acompañada de castañuelas y trajes regionales. El contenido de las canciones es muy diverso, desde el patriotismo a la religión, hasta de hazañas sexuales. Además, las canciones se utilizan a menudo para crear una sociedad unida y reunir a todos.

El bolero es una danza que se originó en España en el siglo XVIII, y fue inventado por el bailarín Sebastiano Carezo en 1780. Se baila ya sea por un solista o una pareja acompañada de canto, castañuelas y guitarras. Las danzas españolas son muy dramáticas y giran sobre la historia y la cultura que representan.

Austria

El baile más conocido de Austria seguramente es el “Wiener Walzer”, el vals vienés. Es el más antiguo de los bailes de salón, y existe al menos desde 1754. Su origen es el “Baile Alemán” y el “Ländler” de Austria, dos bailes tradicionales del campo. Fue el primer baile de salón que se bailaba “cerrado”, lo que quiere decir que la pareja está en una posición cercana. Esto dio lugar a algunas protestas contra este baile, incluso con panfletos que decían que el vals es una primera señal de debilidad mental y corporal. Pero por supuesto, estas críticas no pudieron parar un baile tan elegante y divertido, ni en el siglo XVIII ni hoy en día. El congreso de Viena de 1814 y 1815, que restableció las fronteras de Europa tras la derrota de Napoleón, también ayudó mucho a propagar el vals vienés en el mundo.

Con respecto al baile en sí mismo, aunque es difícil ejecutarlo correctamente, no es complicado aprender los pasos básicos. La forma verdadera sólo tiene dos figuras: girar a la derecha (“natural”) o a la izquierda (“invertido”). Girar a la izquierda es mucho más difícil, porque debes cruzar los pies y, debido a que la dirección del baile es contraria a las agujas del reloj, implica hacer a la vez un giro de más de 360 grados. El vals vienés se baila con música del tiempo ¾ con bastante velocidad, aproximadamente 30 tiempos por minuto. Además del baile, el vals vienés también es un estilo de música, conocido por compositores como Johann Strauß (padre e hijo) y Piotr Ilich Chaikovski.

Obviamente, hay muchas otras danzas tradicionales en Austria. Un baile que destaca con su estilo especial es el “Schuhplattler”, que tiene también una larga tradición. Aunque el nombre viene del siglo XIX, hay un documento del año 1050 que ya describe un baile bastante parecido. La característica más importante de este baile es el “platteln”, cuando el bailarín se golpea para crear sonidos de palmear. Se golpea en sus muslos, rodillas, y suelas del zapato. Esto dio origen al nombre de este baile – “Schuh” significa zapato en alemán. Existen algunas teorías que dicen que la inspiración para estas figuras viene del celo de los gallos; por lo tanto, sólo los hombres hacen estas figuras, aunque el baile es tanto para hombres como para mujeres. El Schuhplattler se baila siempre con el traje tradicional del oeste de Austria y de Baviera, de donde viene este baile. El traje consiste en pantalones de cuero para los hombres y de las “Dirndln” para las mujeres.

Dado que el Schuhplattler es único y reconocible, cada vez hay más grupos que lo bailan sólo para turistas. Gran parte de estos grupos están formados sólo por hombres. Al menos, esto garantiza que el baile no desaparezca, aunque, por otra parte, hay que decir el Schuhplattler que sobrevive no tiene mucho que ver con el original.

Reino Unido

Los bailes típicos que se originaron en Inglaterra también son muy tradicionales, acompañados de un cierto género de música y trajes realmente magníficos, que en comparación con el estilo de hoy en día parecen un tanto ridículos.

El primer estilo de baile a mencionar es el de la danza Morris. Al contrario de la mayoría de los estilos de danza, éste es un baile, en su mayor parte, ejecutado por hombres. Se basa en el escalonamiento rítmico y en la ejecución de pasos coreografiados por un grupo de bailarines que suelen usar toallas de campanas en sus espinillas. Las cosas tales como palos, espadas y pañuelos también se usan a menudo por los bailarines que todo personifica el estilo y el ritmo de la danza.

El segundo baile Inglés es el baile Maypole, que es otra forma de danza folk, sin embargo, esta vez hay dos tradiciones distintas, la danza circular y el baile de la cinta. La danza circular es donde los bailarines realizan bailes en círculo alrededor de un poste alto que se viste con guirnaldas, rayas pintadas, flores, banderas y otros emblemas. La danza circular se realiza tradicionalmente en la primavera para el festival del Día de Mayo.

El baile de la cinta es donde los bailarines se reúnen en un círculo, cada uno con una cinta de color unida a un poste mucho menor. A medida que el baile comienza las cintas se entrelazan y pliegan, ya sea en el propio poste o en una banda alrededor del polo. Los bailarines pueden entonces volver sobre sus pasos exactamente con el fin de desentrañar las cintas. Este estilo es ahora considerado como el estilo de baile más tradicional de las celebraciones del Primero de Mayo.

Conclusión

Para concluir, es obvio que bailar es una de las necesidades básicas de los humanos. Los bailes no sólo existen para divertirnos, sino también tienen una función importante para la cohesión de la sociedad. Es evidente que la gente siempre va a bailar. Aunque cada cultura tiene sus propios bailes, hay numerosas influencias y similitudes entre las diferentes culturas. Por ejemplo, la danza Morris y el Schuhplattler se parecen, aunque no tienen una conexión directa. Claramente, los bailes también se difunden y adaptan entre culturas, modificándose en su evolución. Así algunos aspectos del vals vienés pueden encontrarse en el tango vals de Argentina.

El Hustle: ¿bailamos?

Colaboración de ALENA

hu1El hustle es un estilo de danza en pareja basado en la improvisación y «llevación». Es un nombre genérico para los bailes de estilo disco que fueron extremadamente populares durante años 70-80 del siglo XX, tales como el discofox, discoswing y propiamente dicho, el hustle. La pelicula Baile Caliente (Dirty Dancing, 1987) con Patrick Swayze reproduce perfectamente el espíritu de las discotecas de hustle de aquellos tiempos. Si la habéis visto, ya podéis imaginar el baile. Pero, sin embargo, el hustle de ahora es algo diferente: es mas moderno en el estilo y en los pasos.

Y, sin duda, ahora este baile de nuevo adquiere popularidad, por lo menos en Rusia. Se abren muchísimas escuelas de hustle, se organizan competiciones y concursos. Y no hay nada raro, puesto que el hustle como baile tiene unas ventajas únicas:

  • se puede bailar en discotecas y no requiere mucho espacio como, por ejemplo, para los bailes de salón;
  • se puede bailar con casi cualquier música, desde la más rápida hasta la más lenta;
  • es fácil para aprender, no exige años de entrenamientos extenuantes;
  • como es un baile social, se puede bailar con un compañero desconocido.

Cuando vine a España, yo estaba muy sorprendida de que el hustle casi no se bailara aquí y ni siquiera pude hu2encontrar una escuela de hustle, ni discoteca especializada.  Llegué a saber que no se enseñaba a bailar en la mayoría de las escuelas en Europa. Como ya he dicho, en Rusia el hustle no se considera extremadamente complicado. Sin embargo, en las discotecas de Madrid me han dicho que lo parece y los aficionados al baile de Madrid no saben mucho del hustle. La razón principal será el desconocimiento de los profesores y la relativa condición física que requiere el baile para que uno pueda ejecutarlo. Aunque las figuras y movimientos del hustle no son de gran dificultad  y se pueden aprender en unos meses, sí que requieren de una cierta movilidad y coordinación. Visualmente, el hustle es una mezcla de salsa, rock’n’roll y los bailes latinos de salón. Se puede ejecutar suavemente o con gran derroche de saltos y movimientos de aceleración, que produce un efecto impresionante y convierte el proceso de baile en un espectáculo. Aquí podéis mirar algunas actuaciones de hustle:

Estos videos son de concursos, pero también se baila mucho en discotecas, como en el siguente video:

Capoeira: una manifestación cultural brasileña

Colaboración de ANDREIA

La capoeira es una manifestación cultural brasileña que reúne características muy distinguidas: se trata de una mezcla de arte-lucha practicada al son de instrumentos musicales como el berimbau (un instrumento que se parece a una caña de pescar y que servía para avisar a los luchadores que el patrón se acercaba), la pandereta y el atabaque.

Además de ser un excelente sistema de defensa personal y de entrenamiento físico, se destaca entre las modalidades deportivas por ser la única originariamente brasileña y que se fundamenta en nuestras tradiciones culturales. Es la síntesis de movimientos y gestos corporales de las culturas africanas que, durante los últimos tres siglos ha formado parte del cotidiano urbano nacional brasileño.

Los orígenes de la capoeira se encuentran en los tiempos de la esclavitud, donde los negros recordaban sus culturas originadas de África. Pues ahí está el debate sobre su surgimiento, pues existen aquellos que defienden la idea de que ella surgió en África, y otros que afirman que la capoeira surgió en Brasil, existe la duda de si el juego llegó con los esclavos africanos o si los africanos refinaron un juego brasileño preexistente.

En los tiempos de la esclavitud, los esclavos podían luchar y practicar sin interrupciones, pues los amos pensaban que ellos estaban bailando un tipo de danza acrobática, entonces no tenía problemas. Utilizaban el propio cuerpo como arma y debido al contacto con la naturaleza los movimientos fueron inspirados en los animales del matorral, sus movimentos de ataque y defensa.

El origen del nombre tiene muchas teorías, una es de la lengua tupy-guarany, que es caápuêra (caá = matorral; puêra = que ya fue). El tupy-guarany es una lengua utilizada por una gran parte de las tribus indígenas que habitaban la costa brasileña, cuando la llegada de los portugueses al Brasil en 1500. Ellos llamaban caápuêra el local, que estaba siempre en medio de las matas, donde el matorral era ralo, muy corto o a veces incluso cortado (rozado). Muchas veces los esclavos se escondian en estas matas y cuando el capitan del matorral surgía ellos salian y atacaban.

Con la abolición de la esclavitud en 1888 muchos esclavos fueron para las ciudades sin empleo y la capoeira fue uno de los medios utilizados para la supervivencia, en que algunos ex-esclavos pasaron a ganar la vida haciendo pequeñas presentaciones en plazas públicas, sin embargo muchos de ellos utilizaron la capoeira para robar y saquear.

Por este motivo fue prohibida en Brasil en 1890 y el castigo por practicarla era extremo (a los infractores se les cortaban los tendones en la espalda y en los tobillos) y la policía era despiadada en su intento de erradicar su práctica. Pero la capoeira se continuó practicando en la clandestinidad hasta que Mestre Bimbaen 1937, fue invitado a actuar con sus alumnos en un evento en el que Getúlio Vargas (el presidente de Brasil en aquella época) estaba presente. Vargas quedó tan impresionado con la disciplina y devoción de los alumnos de Mestre Bimba, que declaró la capoeira el deporte nacional de Brasil.

En la actualidad existen un sinfín de academias alrededor del mundo, las cuales llevan esta arte marcial, no solo como un arte, sino también como una forma de vida, una inspiración.

¿Ya practicaste capoeira alguna vez? ¿Te gustaría practicar? ¿Qué piensas sobre este tipo de arte-lucha?

(Fuentes: 1, 2, 3)

Las raíces rebeldes y la noche de la tarántula

Colaboración de ANNA GRAZIA

La via Apia antigua era un camino que enlazaba la Capital con el puerto de Brindisi, el más importante enlace de Italia con Grecia y Oriente.

Desde allí zarpó Federico II Hohenstaufen hacia la Tierra Santa, el cual regaló a mi región uno de los castillos más enigmáticos del mundo: Castel del Monte. Bajando desde aquí entre los olivares queridos a la diosa Atenea, buscaremos o sentiremos hablar del “Castillo de Otranto” que dio el nombre a la primera novela gótica de la historia.

¡Imagínese! Una tierra quemada por el sol, besada por el viento, cortejada con morbosidad por el mar con la clásica flora mediterránea.

¿No es difícil? Imagínese entonces una colonia de antiguos griegos que llegan en la época clásica, vuelven en la época bizantina y crean una unión entre su cultura y la romana que se expresa no sólo en la arquitectura, la gastronomía, la medicina natural y la literatura oral, sino también genera un nuevo lenguaje que se mantendrá durante siglos en nueve países sin apagarse… esta es la Grecia Salentina.

Es simplemente una isla lingüística y cultural engarzada en el tacón de Italia, pero tan compleja en sus orígenes que, quizá, un poco de buen vino podría resumir la mezcla.

Mi abuela hablaba sobre todo en griko y vivía en una casa diferente de la mía donde no existía asfalto y la pavimentación era semejante a la de Pompeya. En el campo de mis vecinos hay edificios casi iguales a los Nuragas de Cerdeña.

En la ciudad tenemos un centro histórico con sus famosas casas con patio y si perdemos algo puede ser obra del duende Scazzamurieddhu y si es Cuaresma, la Quaremma que estará siempre en la terraza o en el balcón controlando todo.

Se suceden uno al otro como flash a la llegada de cada temporada, los recuerdos relacionados con el olfato y el gusto así como la imagen pintada de nuestro vivir del año es representado por la música; tenemos canciones religiosas, serenatas, poesía cantada y una danza enérgica y autóctona que estalla en la famosa “Noche de la tarántula”.

¿Por qué la tarántula? ¡Tampoco el Hombre Araña lo sabe!

Este mito es nuestra bandera en toda Italia y es un festival itinerante que recorre la nación, sale de la frontera y en agosto se celebra en los pueblos donde nació.

El Tarantulismo, nacido como leyenda y revelándose un fenómeno psicológico, fue un baile que empezaban algunas personas y lo ejecutaban durante días y días sin pararse por la picadura del insecto.

Una chispa que se enciende al final de junio, pocos días antes del solsticio y que corre por las venas, te embriaga del “malvado pasado” de las células de la memoria y te mece entre los remotos rincones de la mente para que no te olvides de tus raíces.

La “NottedellaTaranta” es el mayor festival demúsica del verano pugliese y se funde con otros géneros que van desde la world music hasta el rock, desde el jazz hasta la sinfónica.

En su última etapa en Melpignano tiene una duración de aproximadamente  9  horas, empieza a última hora de la tarde hasta la mañana siguiente.

Un ritmo rápido, lento, luego rápido, que te deja, te coge, te inflama y te hace polvo solo cuando te duelen demasiado las rodillas y los pies.

Es una danza liberadora, una danza de cortejo, una danza de la vida que es tan hermosa como siempre, porque es una proyección del pasado, frescura del presente y calidez del futuro.

¡Pruébenlo! Y si ustedes no están convencidos… los precios baratos les tentarán a probar este rincón del mundo.

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